Le Musée du Louvre est sans conteste le plus grand musée de Paris ainsi que le plus visité de France. Que ce soit pour ses collections permanentes ou expositions temporaires, le palais du Louvre accueille certaines des plus grandes œuvres de l'art mondial, entre peintures, sculptures et trouvailles archéologiques.
Chaque chef-d’œuvre présent sous la pyramide du Louvre, de la Victoire de Samothrace à la Vénus de Milo, vaut vraiment le coup d'œil et peu de musées du monde peuvent se vanter d'une telle collection !
Il est le site culturel le plus visité en France devant la Tour Eiffel et Notre-Dame de Paris et le musée des arts le plus visité devant le Grand Palais et le Petit Palais.
Superprof vous propose de découvrir une liste non-exhaustive des plus grands tableaux du Musée du Louvre à Paris, qu'il ne faut absolument pas rater si vous comptez visiter la capitale !
| N° | Oeuvre | Artiste | Date | Courant artistique |
|---|---|---|---|---|
| 1 | La Joconde | Léonard de Vinci | vers 1503-1517 | Renaissance |
| 2 | Le Sacre de Napoléon | Jacques-Louis David | 1805-1807 | Néoclassicisme |
| 3 | Le Radeau de la Méduse | Théodore Géricault | 1818-1819 | Romantisme |
| 4 | La Liberté guidant le peuple | Eugène Delacroix | 1830 | Romantisme |
| 5 | Les Noces de Cana | Véronèse | 1562-1563 | Renaissance |
| 6 | François Ier | Jean Clouet | vers 1525-1530 | Renaissance |
| 7 | La Grande Odalisque | Jean-Auguste-Dominique Ingres | 1814 | Néoclassicisme / Orientalisme |
| 8 | Le Tricheur à l’As de carreau | Georges de La Tour | vers 1635 | Baroque |
| 9 | L’Histoire d’Alexandre | Charles Le Brun | 1660-1673 | Classicisme |
| 10 | David et Goliath | Caravage | vers 1600-1607 | Baroque |
N°1 : La Joconde de Léonard de Vinci, le tableau le plus célèbre du Louvre
Contexte historique et création de l’œuvre
Les autres musées parisiens ne peuvent se vanter de posséder une œuvre aussi connue que La Joconde1, le portrait de Mona Lisa, une peinture italienne de Léonard de Vinci !
Ce joyau de l'art de la Renaissance est une étape nécessaire si vous comptez visiter le Louvre. La peinture fut acquise par François Ier à la mort de l'artiste, le roi de France ayant été son mécène.
Ce tableau a été une source d'inspiration sans précédent pour tous les artistes qui ont suivi De Vinci : la technique, le sourire, le regard et le paysage de la peinture n'ont pas manqué d'intriguer et de fasciner jusqu'à aujourd'hui !
Analyse artistique et mystères du tableau
La Joconde est un portrait très sobre qui se caractérise principalement par le sfumato, une façon de peindre qui donne au sujet des contours imprécis et vaporeux.
Aussi, plusieurs mystères entourent le tableau de la Joconde. Tout d'abord, l'identité de la femme représentée. Aujourd'hui, il est admis qu'il s'agit fort probablement de Lisa Gherardini, épouse d’un marchand florentin du nom de Francesco del Giocondo, d’où le titre du tableau.
Ensuite, ce sourire énigmatique qui fait tourner bien des têtes ! Selon l'angle de vue, il apparaît ou disparaît, une ambiguïté qui fascine autant qu'elle agace.
Le 21 août 1911, le tableau de la Joconde est volé au musée du Louvre par Vincenzo Peruggia. Cet ancien employé du musée connaît bien les lieux et profite de l'absence de garde pour décrocher le tableau, qui n'est alors pas protégé. Pendant plus de 2 ans, Perrugia conserve la Joconde chez lui, puis tente de le vendre à un marchand d'art à Florence. C'est à ce moment-là qu'il est dénoncé puis arrêté. Le tableau est restitué au Louvre le 4 janvier 1914 !
Êtes-vous déjà allé au Musée d'Orsay ?
N°2 : Le Sacre de Napoléon de Jacques-Louis David, une peinture de propagande impériale
| Oeuvre | Le sacre de Napoléan |
|---|---|
| Artiste | Jacques-Louis David |
| Date | 1805-1807 |
| Dimensions | 621 × 979 cm |
| Lieu de conservation | Musée du Louvre |
| Technique | Huile sur toile |
| Courant artistique | Néoclassicisme |
Contexte historique et commande politique
Le Sacre de Napoléon2 est une peinture produite entre 1805 et 1807 par Jacques Louis David, peintre français néo-classique, qu'il dédie à l'empereur.
Le tableau représente Napoléon Ier, empereur des Français, se faisant sacrer empereur à la Cathédrale Notre-Dame de Paris. Ce couronnement est symbolique du début du règne de Napoléon qui dura de 1804 à 1814. Sur le tableau, on peut voir Napoléon couronner l'impératrice Joséphine après avoir été lui-même institué par le pape Pie VII.
Ce monument de l'art français n'est pas la seule représentation d'empereurs au Louvre : un portrait peint par Winterhalter en 1853 représente Napoléon III, neveu du premier empereur !
Analyse de la composition et des personnages
Le peintre a organisé le tableau en plans successifs. Au premier plan, on y voit Napoléon, Joséphine et le pape, puis au deuxième plan les maréchaux, les prélats et les dignitaires. Le fond est composé du décor de la cathédrale Notre‑Dame richement décorée, ce qui donne une vraie impression de profondeur.
Au centre du tableau, Napoléon porte un grand manteau impérial et s’apprête à couronner Joséphine. Il est à la fois sujet et acteur de la scène, ce qui donne une image de pouvoir personnel et de volonté politique.
Assis derrière eux, le pape Pie VII bénit la cérémonie, mais il est volontairement mis en retrait. Napoléon se couronne lui‑même, puis pose la couronne sur la tête de l’impératrice, ce qui symbolise l’indépendance de l’Empereur vis‑à‑vis du pouvoir pontifical.
N°3 : Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault, un drame historique majeur
| Oeuvre | Le Radeau de la Méduse |
|---|---|
| Artiste | Théodore Géricault |
| Date | 1818-1819 |
| Dimensions | 491 × 716 cm |
| Lieu de conservation | Musée du Louvre |
| Technique | Huile sur toile |
| Courant artistique | Romantisme |
Inspiration réelle et scandale historique
Nous pourrions penser que Le Radeau de la Méduse3 de Théodore Géricault représente une scène mythologique comme beaucoup d'autres tableaux du Louvre. Pourtant, il n'en est rien : la peinture figure le naufrage de la frégate Méduse, un navire de la marine coloniale française échoué en 1816 près de la Mauritanie.
Sur 147 naufragés, seuls 10 ont survécu au drame. Ce tableau dépeint avec force le désespoir causé par la faim, la déshydratation, les crises de folies et même l'anthropophagie que les survivants ont dû supporter !
Cette œuvre compte parmi les plus admirées par les romantiques français et a notamment inspiré :
- William Turner,
- Eugène Delacroix,
- Gustave Courbet,
- Édouard Manet.
Le tableau a été acheté par le Louvre en 1824, peu après la mort de l'artiste et est désormais conservé dans le département des peintures !
Analyse artistique et intensité dramatique
Géricault organise la scène selon trois pyramides entrecroisées :
- une première va du mât aux cordages en haut à gauche,
- une seconde regroupe les corps inertes en bas du tableau,
- une troisième englobe les figures vivantes en haut à droite.
L'utilisation de la technique du clair-obscur permet de renforcer la tension entre la mort et l'espoir déjà symbolisés par les corps inertes en bas et les hommes debouts à droite du tableau. Les corps éclairés semblent presque irréels, comme tirés un instant de leur agonie, alors que le reste disparaît dans la pénombre.
N°4 : La Liberté guidant le peuple d’Eugène Delacroix, symbole révolutionnaire
| Oeuvre | La Liberté guidant le peuple |
|---|---|
| Artiste | Eugène Delacroix |
| Date | 1830 |
| Dimensions | 260 × 325 cm |
| Lieu de conservation | Musée du Louvre |
| Technique | Huile sur toile |
| Courant artistique | Romantisme |
Contexte historique et message politique
La peinture française de La Liberté Guidant le Peuple4 est une huile sur toile d'Eugène Delacroix, l'un des plus grands peintres français !
Réalisée en 1830, le tableau illustre une scène de guerre civile voire de révolution (en référence à la Révolution de Juillet) dans laquelle des citoyens armés marchent derrière une femme : l'allégorie de la Liberté. Des corps au sol montrent la violence du conflit et l'importance du soulèvement.
L'idée de Liberté est un élément clé du contexte historique du XIXème siècle et la conquérir par les armes est souvent le moyen le plus efficace :
Nous n’avons qu’une liberté : la liberté de nous battre pour conquérir la liberté
Henri Jeanson
Ce n'est qu'en 1874 que le tableau fut transféré au Louvre et devint l'un des plus fréquentés. On le considère souvent comme le symbole de la révolution ou même de la démocratie française !
Analyse des figures et de la symbolique
Au centre du tableau, la figure de la Liberté incarne à la fois une femme du peuple et une allégorie politique. Elle est coiffée du bonnet phrygien, symbole de la Révolution française de 1789 et de la liberté, et porte le drapeau tricolore.
A côté d'elle, on y voit notamment un ouvrier (ou un paysan) et un bourgeois avec un fusil, des personnages provenant de milieux sociaux bien distincts qui sont pourtant portés par la même envie de liberté.
Si la scène n’est pas un reportage fidèle de la réalité, elle est une mise en scène idéalisée du peuple noble et héroïque, porté par l’idée de liberté.
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N°5 : Les Noces de Cana de Véronèse, le plus grand tableau exposé au Louvre
| Oeuvre | Les Noces de Cana |
|---|---|
| Artiste | Véronèse |
| Date | 1562-1563 |
| Dimensions | 666 × 990 cm |
| Lieu de conservation | Musée du Louvre |
| Technique | Huile sur toile |
| Courant artistique | Renaissance |
Contexte religieux et commande artistique
La peinture Les Noces de Cana5 est une œuvre du peintre vénitien Paul Véronèse datant de 1563 mettant en scène un passage du Nouveau Testament dans lequel Jésus transforme par miracle l'eau en vin. Le tableau mixe les personnages bibliques et les contemporains vénitiens du XVIème siècle.
Ce tableau est considéré comme l'une des plus importantes œuvres de l'artiste à qui un monastère vénitien en avait fait la commande. Toutefois, il n'est pas le seul peintre à avoir représenté cette scène : d'autres comme Giotto, Gérard David ou encore Giuseppe Maria Crespi s'y sont aussi attelés.
Il est aujourd'hui conservé et exposé au musée du Louvre, juste en face d'une certaine Joconde...
Analyse de la composition et richesse visuelle
Ce tableau peut être découpé en deux scènes distinctes : le bas de l'oeuvre qui est très animé avec le banquet, les musiciens, les convives, et le haut beaucoup plus calme principalement caractérisé par le ciel clair et l'architecture du bâtiment.
personnages !
Le tableau se montre visuellement très riche grâce aux couleurs vives et à la lumière. Les tissus de soie, les bijoux, les vaisselles brillantes, les vêtements aux tons éclatants évoquent la vie fastueuse de la Venise du XVIᵉ siècle.
N°6 : François Ier de Jean Clouet, un portrait royal emblématique
Contexte historique et représentation du pouvoir
Le roi de France François Ier6, représenté sur ce portrait par Jean Clouet vers 1530, fut l'un des plus grands mécènes parmi les monarques de l'époque moderne. Il est un élément important de l'histoire du Louvre, notamment pour ses acquisitions artistiques comme La Joconde !
Cette envie de financer les artistes relevait tout autant d'un besoin d'affirmer son pouvoir que d'une sensibilité en la matière :
Car tel est nôtre plaisir
François Ier
D'autres rois de France sont aussi représentés au Louvre, comme sur le tableau de Louis XIII couronné par la victoire, le très célèbre profil de Louis XIV ou encore le Portrait de Louis XVIII. Autant de visages royaux qui rappellent notre histoire lors d'une visite au Louvre !
Analyse stylistique et symbolique
Jean Clouet propose une composition très sobre, typique de son style de portrait de cour. Le roi est représenté en buste, presque de face, la tête légèrement tournée vers la gauche et les yeux fixant le spectateur avec un léger sourire.
L'oeuvre se montre très précise et réaliste, avec un soin particulier apporté aux détails, notamment au costume. En tenant un gant dans la main droite et le pommeau de son épée dans la main gauche, François Ier incarne à la fois le roi de cour (avec le gant) et le roi guerrier (avec l'épée), maître de son armée.
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N°7 : La Grande Odalisque d’Ingres, entre idéalisation et controverse
| Oeuvre | La Grande Odalisque |
|---|---|
| Artiste | Jean-Auguste-Dominique Ingres |
| Date | 1814 |
| Dimensions | 91 × 162 cm |
| Lieu de conservation | Musée du Louvre |
| Technique | Huile sur toile |
| Courant artistique | Néoclassicisme / Orientalisme |
Contexte artistique et influences orientales
Jean-Auguste-Dominique Ingres est probablement l'un des peintres les plus célèbres en France lorsqu'il s'agit du XIXème siècle. Son tableau La Grande Odalisque de 1814 est un exemple de son œuvre, dense et de qualité.
Le tableau avait été commandé par Caroline Murat, la sœur de Napoléon Ier et reine consort de Naples afin de la mettre en valeur. Cependant, avec la chute de l'Empire, la commande ne sera jamais payée par la reine !
Nous pouvons citer d'autres œuvres majeures de l'artiste :
- Bonaparte, Premier Consul (1803-1804),
- Napoléon Ier sur le Trône Impérial (1806),
- Jupiter et Thétis (1811),
- Roger délivrant Angélique (1819),
- Œdipe explique l'énigme au Sphinx (1827),
- Louise de Broglie, Comtesse d’Haussonville (1845),
- Portrait de la Princesse Albert de Broglie (1853),
- Jeanne d’Arc au sacre du roi Charles VII, dans la cathédrale de Reims (1854),
- Le Bain Turc (1859-1863).
Ingres possède un style entre le néo-classicisme et l'orientalisme onirique, ce qui fait de ses peintures de véritables chefs-d'œuvre dont plusieurs sont conservées soigneusement au Louvre !
Analyse esthétique et réception critique
Dans ce tableau, Ingres met en avant la ligne, la courbure et la surface lisse. Le corps de la femme est allongé et les proportions du corps sont peu respectées : le dos est anormalement étendu, les bras et les jambes prolongés, ce qui tend plutôt vers le schéma géométrique que la représentation purement anatomique.
C'est pour cela que le tableau reçoit immédiatement de vives critiques sur la déformation de l'anatomie représentée ici. Quand certains y voient des erreurs techniques, d'autres y voient une forme de modernité avec la représentation très personnelle d'un corps tel que l'artiste a envie de le voir.
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N°8 : Le Tricheur à l'As de carreau de Georges de La Tour, une scène de tromperie
| Oeuvre | Le Tricheur à l'As de carreau |
|---|---|
| Artiste | Georges de La Tour |
| Date | vers 1635 |
| Dimensions | 106 × 146 cm |
| Lieu de conservation | Musée du Louvre |
| Technique | Huile sur toile |
| Courant artistique | Baroque |
Contexte et narration de la scène
Le Tricheur à l'As de Carreau8 est une toile du peintre français Georges de La Tour datant de 1636-1638 et conservée au département des peintures du musée du Louvre. Considéré comme l'un des chefs-d'œuvre du peintre ainsi que de la peinture française en général, c'est une étape importante d'une visite du musée !
Le tableau représente 3 personnes jouant aux cartes et une servante. Si l'un d'entre eux décide de tricher en cachant un As de carreau derrière son dos, c'est bien entendu car ils jouent de l'argent. Cependant, son secret pourrait être dévoilé par la servante...
De La Tour s'est inspiré des thèmes de Caravage, notamment pour le tricheur, mais aussi pour le personnage vu de trois quarts dos. Toutefois, cette œuvre-là n'est pas italienne mais bien française !
Analyse de la lumière et de la composition
La lumière joue ici un rôle central puisqu’elle met en avant certains visages et en effacent d’autres, notamment celui du tricheur. Les détails essentiels sont mis en valeur par la lumière comme la blancheur des cartes, le reflet dans le verre, la pâleur de la peau de la courtisane, ses bijoux de perles et enfin la main du tricheur qui prépare secrètement l’as.
La tension est palpable grâce aux nombreux jeux de regards entre les personnages. Cela est également accentué par la triche que l'on perçoit juste avant qu'elle soit jouée. Georges de La Tour transforme ainsi une simple partie de cartes en une scène de psychologie et de moralité, où la lumière et la composition se répondent étroitement.
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N°9 : L'Histoire d'Alexandre de Charles Le Brun, une série au service du pouvoir
| Oeuvre | L’Histoire d’Alexandre |
|---|---|
| Artiste | Charles Le Brun |
| Date | 1660-1673 |
| Dimensions | séries de grandes toiles (variables, env. 470 × 540 cm pour certaines) |
| Lieu de conservation | Musée du Louvre |
| Technique | Huile sur toile |
| Courant artistique | Classicisme |
Contexte historique et narration des œuvres
L'histoire d'Alexandre9 est un cycle de plusieurs tableaux réalisés par le peintre Charles Le Brun représentant l'épopée d'Alexandre le Grand à travers l'Asie et notamment dans sa guerre contre les Perses de Darius.
Cette œuvre monumentale est constituée de plusieurs tableaux distincts :
- Le Passage du Granique (1665),
- Entrée d’Alexandre à Babylone ou Le Triomphe d’Alexandre (1665),
- La Bataille d'Arbèles (1669),
- Alexandre et Porus (1665-1673).
Toutefois, Le Brun ne peint pas que sur l'Antiquité, il réalise également des peintures sur des thèmes religieux, mythologiques, militaires et historiques, sans compter ses innombrables dessins !
Analyse artistique et fonction politique
Les tableaux de Charles Le Brun sont toujours construits en plans superposés, ce qui permet d’attirer le regard vers le premier plan où est représenté le héros de l’oeuvre. Il faut dire qu’il est souvent juché sur un cheval, un char ou bien représenté lors d’une victoire militaire.
Outre le héros souvent au milieu de la scène, les oeuvres de Le Brun sont composées de nombreux personnages : des soldats, des femmes, des serviteurs, des prêtres, etc. Ces scènes racontent toujours une histoire riche et offrent une lecture quasi-littéraire des tableaux.
Côté politique, la représentation d'Alexandre Le Grand dans ces tableaux est en fait un parallèle avec Louis XIV qui reprend à ce moment-là le pouvoir. Tout comme Alexandre, le Roi Soleil a des envies de conquête et souhaite asseoir son ambition et sa grandeur.
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N°10 : David vainqueur de Goliath, une scène biblique spectaculaire au Louvre
| Oeuvre | Le Combat de David et Goliath |
|---|---|
| Artiste | Daniele da Volterra |
| Date | vers 1600-1607 (selon version) |
| Dimensions | env. 110 × 91 cm |
| Lieu de conservation | Musée du Louvre |
| Technique | Huile sur toile |
| Courant artistique | Baroque |
Contexte biblique et signification
Cette peinture sur ardoise de 1550-1555 de Daniele Ricciarelli, dit Daniele da Volterra est une œuvre extrêmement intéressante car elle est composée d'un diptyque tournant : le tableau Le Combat de David et Goliath10 comporte deux faces qu'un piédestal permet d'admirer en tournant le cadre.
L'artiste désirait montrer la supériorité de la peinture dans le milieu de l'art en libérant le libérant des deux dimensions du tableau. Dans le même temps, il représentait une scène incontournable de l'Ancien Testament : le combat entre l'Hébreu David et le Philistin Goliath, le fameux combat entre l'homme et le géant.
Cette œuvre recto verso nous raconte donc comment David tue Goliath, mettant fin à la guerre opposant leurs deux peuples. Une peinture qu'il ne faudrait surtout pas rater !
Après cette visite du musée express, vous aurez peut-être envie d'aller le voir de vos propres yeux, de découvrir chaque chef-d'oeuvre qui le compose des objets de la Mésopotamie aux toiles de peinture de genre, en passant par le fameux Carrousel du Louvre.
Analyse stylistique et dynamisme de la scène
Ici, l'oeuvre est très puissante grâce à la représentation des corps très musclés, qui offrent des muscles saillants, comme taillés dans la pierre. On assiste à un corps-à-corps tendu entre les deux hommes et la position de Goliath renforce cet effet de tension.
Sur le recto de l'oeuvre, le déséquilibre est déjà marqué puisque Goliath est déjà au sol. Sur le verso, le corps de Goliath s’effondre davantage et la décapitation semble imminente. Cette double scène permet au spectateur de voir le geste se dérouler sous ses yeux en passant d’une face à l’autre.
Nos conseils pour profiter des tableaux du Louvre
Quand visiter le Louvre ? Que voir et comment s'organiser avant la visite ? Voici quelques conseils pour profiter au mieux de l'un des plus beaux musées du monde !
Conseil n°1 : organiser votre visite à l’avance
Préparer sa visite à l'avance est essentiel pour profiter pleinement du musée du Louvre. Pour cela, vous pouvez déjà planifier le jour et l’horaire de votre venue, en privilégiant les moments où l’affluence est plus faible. Mieux vaut venir en pleine semaine et le matin à l’ouverture.
Aussi, prévoyez votre durée de visite. Il faut compter au minimum une demi-journée dans le musée pour pouvoir déambuler et voir les oeuvres majeures. Si vous êtes motivés, vous pouvez opter pour une journée complète !
lundi, jeudi, samedi et dimanche : de 9h à 18h
mardi : fermé
mercredi et vendredi : de 9h à 21h
Voici les tarifs :
- 22€ pour les Français et ressortissants européens
- 32€ hors EEE
- Gratuit pour les moins de 18 ans et les moins de 26 ans résidents des pays de l'Espace économique européen
Conseil n°2 : suivre un parcours ciblé
Une chose est sûre, vous ne pourrez pas tout voir ! Avant votre visite, n'hésitez pas à consulter le plan du musée disponible en ligne (ou bien à l'entrée du musée) pour identifier les salles et les oeuvres que vous ne voulez pas manquer.
Que vous aimiez une période ou un courant artistique en particulier, ou bien que vous souhaitiez simplement découvrir les grandes oeuvres du Louvre, la préparation est la clé !
Pour une demi‑journée au Louvre, commencez par la Victoire de Samothrace dans l’aile Denon, puis montez au 1er étage pour voir la Joconde, Les Noces de Cana de Véronèse, Le Radeau de la Méduse de Géricault et éventuellement La Grande Odalisque d’Ingres. Ensuite, redescendez vers l’aile Sully pour terminer par la Vénus de Milo.
Conseil n°3 : utiliser les ressources sur place
Rien de mieux pour enrichir sa visite que d'utiliser les ressources mises à disposition par le musée. Les audioguides vous permettent d'en savoir plus sur les tableaux et les oeuvres, en ayant des explications détaillées sur le contexte historique ou sur la symbolique, par exemple.
Il y a également l'application mobile du Louvre qui vous offre des cartes interactives, des contenus numériques supplémentaires ou encore des visites virtuelles pour préparer ou prolonger sa visite !
🖼️ Des chefs-d’œuvre incontournables : de La Joconde de Léonard de Vinci à La Liberté guidant le peuple de Eugène Delacroix, en passant par Le Radeau de la Méduse, le Louvre rassemble des œuvres majeures de l’histoire de l’art.
🎨 Une richesse artistique exceptionnelle : Renaissance, baroque, néoclassicisme, romantisme… le Musée du Louvre offre un panorama unique des grands courants artistiques européens à travers les siècles.
🗺️ Une visite à préparer : face à l’immensité du musée, mieux vaut planifier votre parcours et sélectionner les œuvres à voir pour optimiser votre expérience.
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Sources
- "La Joconde", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010066723. Consulté le 27/04/26
- "Le Couronnement de l'empereur Napoléon Ier et de l'impératrice Joséphine dans la cathédrale Notre-Dame de Paris, le 2 décembre 1804", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010065720. Consulté le 27/04/26
- "Le radeau de la Méduse", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010059199. Consulté le 27/04/26
- "Le 28 juillet 1830. La Liberté guidant le peuple", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010065872. Consulté le 27/04/26
- "Les Noces de Cana", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010064382. Consulté le 27/04/26
- "François 1er (1494-1547), roi de France.", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010062204. Consulté le 27/04/26
- "Une odalisque, dite La grande odalisque", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010065566. Consulté le 27/04/26
- "Le Tricheur à l’as de carreau", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010066276. Consulté le 27/04/26
- "Entrée d'Alexandre dans Babylone", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010060585. Consulté le 27/04/26
- "David vainqueur de Goliath", Louvre Collections. Disponible ici : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010067107. Consulté le 27/04/26
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