Si les plus grands musées au monde sont sans conteste en Europe, il ne faudrait pas oublier l'un des meilleurs musées d'art du monde : le Metropolitan Museum of Art de New York !
Ce grand musée de Manhattan abrite une collection d'œuvres d'art spectaculaire de plus de 1,5 million1 de pièces provenant du monde entier. Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Renoir, Manet, Degas, Ingres, Delacroix ou encore Warhol, ils sont tous conservés au MET !
Tous les plus grands mouvements artistiques sont représentés au MET : l'impressionnisme, le réalisme, l'autoportrait, l'expressionnisme, le fauvisme, le naturalisme, le pointillisme ou encore le symbolisme.
Vous vous demandez quelles oeuvres voir au Met ? Superprof vous propose une liste non exhaustive des chefs-d'œuvre de la peinture les plus célèbres exposés au Metropolitan Museum of Art à New York, direction la Grosse Pomme !
| N° | Oeuvre | Artiste | Date | Courant artistique |
|---|---|---|---|---|
| 1 | Washington traversant le Delaware | Emanuel Leutze | 1851 | Romantisme |
| 2 | La Mort de Socrate | Jacques-Louis David | 1787 | Néoclassicisme |
| 3 | La Femme au perroquet | Gustave Courbet | 1866 | Réalisme |
| 4 | Pont au-dessus d’un bassin de nymphéas | Claude Monet | 1899 | Impressionnisme |
| 5 | Madame X | John Singer Sargent | 1884 | Réalisme |
| 6 | Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga | Francisco de Goya | 1787 | Pré-romantisme |
| 7 | Aristote contemplant le buste d’Homère | Rembrandt | 1653 | Baroque |
| 8 | Les Musiciens | Caravage | 1595 | Baroque |
| 9 | Jeune femme à l’aiguière | Johannes Vermeer | 1662-1665 | Baroque |
| 10 | Autumn Rhythm (Number 30) | Jackson Pollock | 1950 | Expressionnisme abstrait |
N°1 : Washington traversant le Delaware d’Emanuel Leutze, une icône de l’histoire américaine
| Titre | Washington traversant le Delaware |
|---|---|
| Artiste | Emanuel Leutze |
| Date de création | 1851 |
| Dimensions de l'oeuvre | 3,79 x 6,48 m |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Réalisme |
Emanuel Gottlieb Leutze est un peintre américain d'origine allemande qui est spécialisé dans la peinture historique et notamment l'histoire des États-Unis, de leur découverte par Christophe Colomb à la guerre d'indépendance américaine.
C'est justement sur ce thème qu'il réalise en 1851 Washington Crossing the Delaware2, une huile sur toile qui raconte la traversée du fleuve Delaware par George Washington en 1776 lors d'une attaque surprise des Américains contre les Anglais durant la bataille de Trenton.
La peinture fait partie de la collection permanente du musée. Il en existe plusieurs copies dont l'une est à la Maison Blanche : c'est un tableau hautement symbolique pour les États-Unis d'Amérique !
Contexte historique et événement représenté
Le tableau de Leutze représente un épisode clé de la guerre d’indépendance américaine. Dans la nuit du 25 décembre 1776, le général George Washington mène ses troupes à travers le fleuve Delaware, dans des conditions extrêmes.
Le but est alors de lancer une attaque surprise contre les troupes britanniques et leurs alliés durant ce qu'on appelle la bataille de Trenton. À ce moment-là, l’armée américaine est affaiblie et enchaîne les défaites, cette traversée héroïque devient alors un véritable tournant stratégique pour les troupes.
Le drapeau américain est un anachronisme puisqu'il n'existait pas au moment de la traversée du fleuve. Il a été créé en 1777 alors que l'épisode peint sur cette toile a eu lieu en 1776.
Analyse artistique et portée symbolique
Ici, le peintre cherche l'immersion et souhaite plonger le spectateur au coeur de l'action. Pour ce faire, il met en scène des blocs de glace tranchants qui donnent une vraie sensation de danger, ainsi qu'un ciel sombre qui contraste avec la lumière naissante au fond.
Au centre, on y voit George Washington qui se tient debout, le regard tourné vers l'horizon. Une position qui tend à ériger Washington en héros !
Il y a aussi de jolies oeuvres au musée du Louvre.
N°2 : La Mort de Socrate de Jacques-Louis David, une œuvre philosophique majeure
| Titre | La Mort de Socrate |
|---|---|
| Artiste | Jacques-Louis David |
| Date de création | 1787 |
| Dimensions de l'oeuvre | 129,5 x 196,2 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Réalisme |
Contexte néoclassique et message historique
En tant que chef de file du mouvement néo-classique en France et figure majeure de la peinture française, Jacques-Louis David ne vous est probablement pas inconnu. Si sa plus grande composition est Le Sacre de Napoléon (conservée au Musée du Louvre à Paris), La Mort de Socrate3 est aussi l'une de ses œuvres majeures.
Il la réalisa en 1787, dans le cadre du Salon de peinture et de sculpture de la même année.
Le tableau dépeint un évènement historique : la mort du philosophe grec Socrate, forcé par le tribunal de l'Héliée à boire de la ciguë suite à sa condamnation à mort. Les motifs étaient la corruption de la jeunesse, la négation des divinités ancestrales et l'introduction de nouveaux dieux.
Ce thème fut repris de nombreuses fois par plusieurs artistes :
- Michel-François Dandré-Bardon en 1753,
- Charles-Michel-Ange Challe en 1761,
- Jacques-Philippe-Joseph de Saint-Quentin en 1762,
- Jean-Baptiste Alizard en 1762,
- Pierre Peyron en 1787.
Analyse de la composition et des symboles
La composition du tableau est bien structurée, avec Socrate placé au centre. Les lignes sont nettes, tout comme les formes, ce qui est typique du style néoclassique.
On y perçoit des gestes hautement expressifs : Socrate a une main levée vers le ciel et son visage est plutôt serein. Ses disciples font également tous des gestes notables, qui eux évoquent la douleur et le désarroi.
Ici, le message est clair, bien qu'il soit condamné par les Athéniens, Socrate préfère mourir en buvant le poison que fuir. Il transmet alors un vrai message de sagesse à ses disciples.
Cette peinture magnifique et hautement historique est à découvrir au Metropolitan Museum of Art !
N°3 : La Femme au perroquet de Gustave Courbet, une représentation réaliste du corps
| Titre du tableau | La Femme au perroquet |
|---|---|
| Artiste | Gustave Courbet |
| Date de création | 1866 |
| Dimensions de l'oeuvre | 129,5 × 195,6 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Réalisme |
Contexte artistique et mouvement réaliste
La Femme au Perroquet est un tableau de 1866 peint par Gustave Courbet, peintre français très célèbre et adepte du réalisme. Sur la peinture, on peut apercevoir une femme nue sur un drap blanc qui tend le bras en l'air pour que le perroquet se pose sur sa main.
Il présenta cette œuvre au Salon de 1866 et, c'est une habitude pour Courbet, cela ne plut pas à la critique d'art qui jugea la posture de la femme et ses cheveux étalés comme non-académiques. Toutefois, Courbet n'hésita pas à aller contre les codes et à peindre des personnages de son temps avec son interprétation :
Je préfère peindre des yeux humains plutôt que des cathédrales - l’âme d’un être humain - même les yeux d’un pitoyable gueux ou d’une fille du trottoir sont plus intéressants à mes yeux
Gustave Courbet
La peinture entra dans la collection du MET en 1929 après un legs de Henry Osborne Havemeyer, grand collectionneur d'art américain !
Analyse esthétique et symbolique
La nudité est au cœur du tableau. Le corps nu de la femme est complètement étendu et ses cheveux détachés, entre sensualité et naturalisme.
L’œuvre incarne clairement une forme de modernité. Courbet transforme un sujet classique, à savoir ici le nu, en une représentation contemporaine qui annonce une nouvelle manière de peindre les corps !
N°4 : Pont au-dessus d’un bassin de nymphéas de Claude Monet, une immersion impressionniste
| Nom du tableau | Pont au-dessus d’un bassin de nymphéas |
|---|---|
| Artiste | Claude Monet |
| Date de création | 1899 |
| Dimensions de l'oeuvre | 92.7 x 73.7 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Impressionnisme |
Contexte de la série des Nymphéas
Claude Monet est probablement le plus connu de tous les peintres impressionnistes français et l'un des plus fameux grands peintres que l'on ait eus en France. Si au XIXème siècle il signe plusieurs chefs-d'œuvres comme Impression Soleil Levant, le XXème siècle lui est aussi favorable, puisqu'à cette époque il peint la série des Nymphéas dont est tiré le tableau Pont au-dessus d'un bassin de nymphéas4 de 1899.
Ce chef-d'oeuvre du mouvement impressionniste fait partie d'un ensemble de 250 peintures représentant le bassin des nénuphars du jardin de l'artiste à Giverny !
Avant les Nymphéas, Monet avait déjà réalisé des séries de peintures sur des thèmes définis comme Les Meules, Les Cathédrales de Rouen et La Gare Saint Lazare.
Analyse de la lumière et de la couleur
Monet joue ici avec les reflets. L’eau devient alors un miroir qui brouille les frontières entre le ciel, la végétation et la surface de l'eau.
L’atmosphère est presque immersive, on est directement plongé dans ce décor empli de verdure. Les contours sont flous, tout comme les formes, ce qui apporte une forme de réalisme au tableau, comme si on l'apercevait d'un coup d'oeil.
N'hésitez pas à vous rendre au musée d'Orsay aussi.
N°5 : Madame X de John Singer Sargent, un portrait scandaleux et iconique
| Titre | Madame X |
|---|---|
| Artiste | John Singer Sargent |
| Date de création | 1884 |
| Dimensions de l'oeuvre | 234,9 × 109,9 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Réalisme |
Contexte et controverse au Salon de Paris
Madame X5 ou Portrait de Madame X est le titre informel donné à une peinture datant de 1884 réalisée par John Singer Sargent, un peintre américain. L'œuvre picturale représente une femme américaine, Virginie Gautreau, expatriée de Louisiane à Paris et symbolisant la bonne société parisienne.
Sargent, dans l'une de ses lettres, parle de cette peinture :
J'ai grand désir de peindre son portrait et j'ai raison de croire qu'elle le permettra et s'attend à ce que quelqu'un propose un tel hommage à sa beauté. … Vous pouvez lui dire que je suis l'homme d'un prodigieux talent
John Singer Sargent
Présenté en 1884 au Salon de Paris, le tableau Madame X de John Singer Sargent déclenche un véritable scandale ! La critique est violente, et pour cause, le public estime le portrait trop audacieux, notamment à cause de la pose et de la robe jugée provocante pour l'époque.
Analyse du style et de la composition
La posture de Madame X est particulière, elle offre un profil altier, un corps élancé et impose une présence presque sculpturale ! Sa robe noire offre un contraste marqué avec sa peau pâle, ce qui renforce l'élégance du personnage.
Ici, Sargent revisite le portrait traditionnel avec une esthétique nouvelle et la modernité du tableau réside dans cette tension entre classicisme et audace !
L'artiste, après la mort de Madame Gautreau, vendit la toile au Metropolitan Museum of Art, en 1916.
N°6 : Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga de Francisco de Goya, un portrait énigmatique
| Titre | Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga |
|---|---|
| Artiste | Francisco de Goya |
| Date de création | 1787-1788 |
| Dimensions de l'oeuvre | 127 × 101,6 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Romantisme |
Contexte et représentation de l’enfance aristocratique
Il est quasiment impossible de n'avoir jamais eu l'occasion d'admirer une œuvre de Francisco de Goya6, le plus célèbre peintre espagnol de tous les temps. Tres de Mayo, La Maja Nue ou encore Le Sabbat des Sorcières sont des peintures majeures des XVIII-XIXème siècles.
Toutefois, Goya réalisa également des portraits plus intimistes comme ceux de la famille du comte d'Altamira dont le plus connu est celui du fils qu'il réalisa en 1787 !
L'artiste choisit un point de vue intéressant pour représenter l'enfant : statique comme une marionnette, il est entouré d'animaux de compagnie aux multiples significations et les couleurs, tout comme les jeux de lumière, n'ont rien d'innocents...
Analyse symbolique et détails de l’œuvre
Les chats, tapis dans l’ombre, semblent guetter quelque chose. Leur présence crée une vraie tension et apporte au caractère mystique, voire terrifiant du tableau.
A contrario, la cage avec les oiseaux vient symboliser à la fois l’innocence et l’enfermement, renforçant alors le contraste entre la fragilité de l'enfant et la menace. Les différents éléments qui composent ce tableau offrent une tension et nous font osciller entre la douceur enfantine et le caractère énigmatique des chats, de la cage et de la pie.
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N°7 : Aristote contemplant le buste d’Homère de Rembrandt, une réflexion philosophique
| Nome du tableau | Aristote contemplant le buste d’Homère |
|---|---|
| Artiste | Rembrandt |
| Date de création | 1653 |
| Dimensions de l'oeuvre | 143,5 × 136,5 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Baroque |
Contexte historique et signification
Nul besoin de présenter Rembrandt, l'un des plus grands peintres de l'histoire de la peinture, maître du baroque hollandais !
Son œuvre conséquente est conservée dans les plus grands musées du monde et la toile Aristote Contemplant le Buste d'Homère7 n'y fait pas exception puisqu'elle est exposée au MET. Dans cette œuvre, Aristote est représenté habillé dans un costume du XVIIème siècle et posant sa main sur le buste du poète Homère.
Il symbolise notamment le fait que la philosophie vient avant tout de la poésie et de l'art en général. Ainsi, Aristote est inspiré du poète. La dimension politique est également représentée par le portrait d'Alexandre dans le médaillon que porte Aristote.
Le tableau a été acquis par le MET en 1961 pour la modique somme de 2,3 millions de dollars !
Analyse de la lumière et du clair-obscur
Ici, le peintre joue avec le contraste entre ombre et lumière pour nous guider vers les éléments essentiels du tableau que sont le visage, la main et le buste d'Aristote.
Une lumière qui accentue la position d'Aristote qui semble plongé dans une réflexion intérieure, presque mélancolique. La technique du clair-obscur, caractéristique de Rembrandt, renforce la profondeur psychologique et dramatique de la scène.
N°8 : Les Musiciens de Caravage, une scène baroque expressive
The Metropolitan Museum of Art, New York, Rogers Fund, 1952 (52.81)
| Nom du tableau | Les Musiciens |
|---|---|
| Artiste | Caravage |
| Date de création | 1597 |
| Dimensions de l'oeuvre | 92 × 118,5 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Baroque |
Contexte artistique et style caravagesque
Les Musiciens, aussi titré Le Concert, est une huile sur toile de Michelangelo Merisi da Caravaggio plus communément appelé Caravage en français. Artiste naturaliste, réaliste et grand utilisateur du clair-obscur, Caravage est un artiste mondialement célèbre dont l'œuvre est gargantuesque !
Le tableau Les Musiciens8 exposé au MET met en scène plusieurs personnages, des musiciens, ainsi que Cupidon sur la gauche. Il se pourrait que le personnage du fond soit un autoportrait de Caravage, faisant de cette œuvre l'un de ses premiers autoportraits.
Le thème de la mythologie et plus spécifiquement de Bacchus (Dionysos) est très présent dans les œuvres de Caravage que l'on peut admirer à New York, en France, en Italie, en Angleterre ou en Espagne !
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Analyse de la lumière et de la composition
Le clair-obscur dramatise la scène et permet de mettre en avant les visages en accentuant leur expressivité. On y perçoit l’intensité des regards et des gestes, ce qui crée une vraie proximité avec le spectateur.
Cela est également renforcé par la mise en scène originale : des personnages collés les uns aux autres, qui sont pourtant chacun dans leur bulle, un vrai moment suspendu !
N°9 : Jeune femme à l’aiguière de Johannes Vermeer, une scène intime et lumineuse
| Nom du tableau | Jeune femme à l’aiguière |
|---|---|
| Artiste | Johannes Vermeer |
| Date de création | vers 1662 |
| Dimensions de l'oeuvre | 45,7 x 40,6 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Baroque |
Contexte et peinture hollandaise
Le nom de Vermeer ne doit pas vous être inconnu : ce peintre hollandais, spécialiste du baroque, est bien connu pour ses tableaux tels que La Laitière ou La Jeune Fille à la Perle. Vermeer, au même titre que Rembrandt, est désormais classé parmi les maîtres du siècle d'or néerlandais de la peinture !
Le tableau conservé au Metropolitan Museum of Art est Jeune Femme à l'Aiguière9, réalisé en 1658 et représentant une femme ouvrant une fenêtre d'une main et portant une aiguière (un récipient) de l'autre main.
Comme dans plusieurs de ses tableaux, Vermeer représente une femme préoccupée ainsi qu'un contraste entre la liberté de l'extérieur et les règles traditionnelles de l'intérieur... Tout un programme !
Allez admirer de belles peintures au musée du Prado en Espagne aussi.
Analyse de la lumière et de la composition
Dans ce tableau, la lumière est douce, tamisée et provient de la gauche. Cela permet à l'artiste d'offrir une scène enveloppante et de souligner les différentes textures.
On apprécie également l’équilibre de la composition parfaitement maîtrisé, chaque élément est à sa place, ce qui permet de créer une véritable harmonie visuelle. Sans oublier la précision des détails, que ce soit les tissus, les objets ou encore les gestes du personnage. Une scène contemplative, presque méditative !
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N°10 : Autumn Rhythm (Number 30) de Jackson Pollock, une œuvre majeure de l’abstraction
| Nom du tableau | Autumn Rhythm (Number 30) |
|---|---|
| Artiste | Jackson Pollock |
| Date de création | 1950 |
| Dimensions de l'oeuvre | 266,7 × 525,8 cm |
| Lieu de conservation actuel | Met |
| Technique utilisée | Huile sur toile |
| Courant artistique | Expressionnisme |
Contexte et expressionnisme abstrait
Réalisée en 1950, Autumn Rhythm (Number 30)10 est une peinture-émail sur toile de Jackson Pollock, un peintre expressionniste abstrait américain. Cet artiste, dont l'influence a été déterminante dans l'art contemporain, a réalisé plus de 700 œuvres !
Voici une liste non-exhaustive de ses plus grandes œuvres :
- Untitled (Naked Man with Knife) en 1938-1940,
- Mural en 1943,
- Number 5 en 1948,
- One : Number 31 en 1950,
- Number 1 (Lavender Mist) en 1950,
- Blue Poles : Number 11 en 1952,
- Convergence en 1952,
- The Deep en 1953,
- White Light en 1954.
Si la technique utilisée pour la réaliser est ce qui est généralement mis en avant, il faut aussi souligner que la peinture Autumn Rhythm semble exprimer de la colère. L'abstrait est fait de déductions, mais vous pouvez également apprécier l'œuvre pour ce qu'elle est : une belle et originale toile.
Analyse du geste et de la composition
3 mots viennent caractériser ce tableau unique : mouvement, énergie et abstraction. Le mouvement d'abord, grâce aux lignes qui s’entrelacent et se croisent. Du mouvement qui apporte de l’énergie au tableau. Ça bouge, les traits sont difficiles à suivre, comme si chaque trace de peinture était un geste, une impulsion.
Enfin, le tableau ne comporte pas de sujet clairement identifiable, il est totalement abstrait. Le spectateur est invité à se perdre dans la toile, faisant de l’œuvre une expérience immersive et absolument personnelle !
Nos conseils pour visiter le MET
Voici quelques conseils pour profiter au mieux de votre visite dans l'un des plus célèbres musées de New-York !
Conseil n°1 : planifier votre visite à l’avance
Le musée est ouvert tous les jours, sauf le mercredi. N'oubliez pas de vérifier en amont pour vous assurer que le musée sera bien ouvert lors de votre venue.
lundi : 10h–17h
mardi : 10h–17h
mercredi : fermé
jeudi : 10h–17h
vendredi : 10h–21h
samedi : 10h–21h
dimanche : 10h–17h
L’affluence varie énormément selon les jours et les périodes de l'année. Forcément, les week-ends et durant les vacances, le musée est très fréquenté.
Pour en profiter au mieux, il est nécessaire de privilégier un créneau en semaine, tôt le matin ou en fin d’après-midi. e
Pour les billets, il est conseillé de réserver en ligne pour gagner du temps à l'entrée. Il est possible de les prendre directement sur le site du MET en choisissant le jour et l'horaire de sa visite.
Conseil n°2 : suivre un parcours des œuvres majeures
Forcément, il n'est pas possible de profiter des 490 000 oeuvres du musée en une seule visite. Pour optimiser sa visite, il est nécessaire de faire un choix. Les oeuvres sont réparties en 17 sections distinctes :
- L'aile américaine
- Arts anciens du Proche-Orient
- Armes et armures
- Arts d'Afrique, d'Océanie et des Amériques
- Art d'Asie
- Art égyptien
- Peintures européennes de 1250 à 1800
- Dessins et estampes
- Sculptures européennes et arts décoratifs
- Arts grec et romain
- Art de l'Islam
- Collection Robert Lehman
- Art médiéval
- Art moderne et contemporain
- Instruments de musique
- Peintures et sculptures du 19ème et du début du 20ème siècle
- Photographies
Vous pouvez donc en amont choisir les sections qui vous intéressent le plus et préparer votre visite en fonction.
Si vous ne savez pas ce qui vous intéresse, vous pouvez choisir de partir à la rencontre des oeuvres majeures du musée. Voici quelques sections parmi les plus incontournables du MET :
- L'art égyptien
- Les peintures européennes (Monnet, Picasso, Matisse, Cézanne, etc.)
- L'art grec et romain
- L'art contemporain
- Les armes et armures
Conseil n°3 : profiter des services et visites guidées
Des visites guidées en français sont proposées tous les jours, et elles sont gratuites ! Le point de départ des visites se situe dans le Patio Vélez Blanco, salle 534. Attention, premier arrivé, premier à en profiter, les places sont limitées !
L'un des plus grands musées d'art du monde est forcément bien équipé : ascenseurs, fauteuils roulants, parcours adaptés… tout est pensé pour que chacun puisse profiter des collections dans de bonnes conditions.
Sans oublier les audioguides disponibles, les plans ou encore l'application mobile qui permet de ne pas perdre de temps et de sélectionner les sections les plus intéressantes.
🎨 Des oeuvres majeures : des tableaux emblématiques allant de Rembrandt à Claude Monet en passant par Jackson Pollock, le MET offre un véritable voyage à travers l’histoire de l’art.
🌍 Une diversité artistique exceptionnelle : peintures, sculptures, objets antiques, arts décoratifs… le musée couvre des époques et des cultures du monde entier.
✈️ Une visite à vivre pleinement : plus qu’un musée, le MET est une expérience immersive parmi l'Art avec un grand A !
Cela vous a-t-il donné envie de visiter le Metropolitan Museum of Art ?
Sources
- "A propos du Met", Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/fr/about-the-met. Consulté le 25/04/26
- "Washington traversant le Delaware", Met. Disponible ici https://www.metmuseum.org/fr/art/collection/search/11417. Consulté le 25/04/26
- "Socrate au moment de prendre la ciguë", Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/fr/art/collection/search/436105. Consulté le 25/04/26
- "Bridge over a Pond of Water Lilies", Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437127. Consulté le 25/04/26
- "Madame X (Madame Pierre Gautreau), Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/fr/art/collection/search/12127. Consulté le 25/04/26
- "Manuel Osorio Manrique de Zuñiga (1784–1792)", Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/fr/art/collection/search/436545. Consulté le 25/04/26
- "Aristote avec le buste d'Homère", Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/fr/art/collection/search/437394. Consulté le 25/04/26
- "The Musicians", Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/art/collection/search/435844. Consulté le 25/04/26
- "Jeune femme à l’aiguière", Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/fr/art/collection/search/437881. Consulté le 25/04/26
- "Rythme d'automne (numéro 30)", Met. Disponible ici : https://www.metmuseum.org/fr/art/collection/search/488978. Consulté le 25/04/26
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