"Il ne s'agit pas de transmettre une vision mais de toucher les gens à travers une image." Ansel Adams

Vous aimez prendre de beaux clichés mais vous souhaitez vous perfectionner dans cet art ?

La ligne est très fine entre un simple loisir et une production artistique : aujourd'hui, même les néophytes sont capables de réaliser une photographie d'art grâce à un matériel photo accessible à tous.

Il suffit surtout de bien connaître l'art de la photographie et de faire preuve d'implication pour réussir des photos dignes des plus grands.

Alors, découvrons ensemble comment passer de débutant en photo à artiste photographe !

Qu'est-ce que la photographie d'art ?

L'arrivée des appareils photos numériques a totalement changé la façon dont on prend des clichés. Aujourd'hui, n'importe qui peut prendre de belles photos, sans pour autant posséder des connaissances accrues en art.

Quelles sont les techniques artistiques en photographie ?
N'hésitez pas à jouer sur les formes ou les couleurs pour rendre votre photo unique.

Pourtant, peu nombreux sont ceux qui peuvent se vanter d'être de véritables artistes de photographie !

La photographie artistique est généralement bien plus profonde qu'une simple photographie numérique d'un paysage urbain ou une photo portrait de l'un de ses proches. Comme tout art, la photographie cache des messages plus profonds qu'en apparence.

Voici donc quelques critères qui font la différence entre la photo d'art et la photo classique :

  • L'image démontre la vision artistique du photographe professionnel,
  • La photo artistique exprime une idée, une émotion ou un message,
  • La photo artistique démontre une grande technique photo,
  • Les oeuvres d'art peuvent s'exposer en galeries, contrairement aux photos standards,
  • Le photographe artiste a un objectif bien précis (démontrer un phénomène, provoquer l'audience ...).

Il faut donc bien distinguer le photographe amateur de l'auteur photographe : tandis que le premier veut simplement s'entraîner à la photographie usuelle, le second a un but plus professionnel et tend à vendre ses photos.

Art et photographie sont étroitement liés : plus qu'une simple activité de loisir, la photographie peut permettre à l'apprenant de se lancer dans le métier de photographe professionnel et vivre pleinement de sa passion artistique.

Alors, pourquoi ne pas tenter de faire passer à un message grâce à la photo d'art ?

Guillaume
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Prof de Photographie
4.90 4.90 (29) 35€/h
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Anne
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Olivier
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Eric dany
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Léonard
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Stéphen
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Philippe
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Xavier
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Les exercices pour s'entraîner à la photographie d'art

Faire des photos de haute qualité requiert une implication forte de la part de l'élève !

Comment intégrer une formation d'art photographique ?
Prenez des clichés tous les jours pour vous perfectionner rapidement !

Pour réaliser un papier fine art ou une photo studio professionnelle afin de se lancer dans le marché de l'art, le futur artiste doit avant tout pratiquer la photo, et ce de manière régulière. En règle générale, il n'existe pas de "bons moments" pour prendre une photo : l'inspiration reste le premier guide du photographe artiste !

Le mieux est d'organiser une petite séance de brainstorming en se posant les bonnes questions :

  • Quelles sont les techniques photo qui m'intéressent le plus ?
  • Qui ou qu'est-ce que je préfère photographier (nature morte, paysage urbain, société ...) ?
  • Quel message est-ce que je cherche à faire passer via mon art ?
  • Quels sont mes sujets de prédilection ?

L'idéal pour devenir galeriste, plasticien ou plasticienne, est de se focaliser sur un type de photographie en particulier (photographie argentique, photo noir et blanc, photographie contemporaine ...). Avec un style bien défini, votre art photographique sera plus facilement reconnaissable !

Enfin, pensez à faire un tour d'horizon des courants artistiques historiques ou contemporains, comme l'art abstrait par exemple. S'éveiller à d'autres arts est un bon moyen de développer sa propre fibre artistique et aide à gagner en crédibilité.

En mettant le doigt sur vos motivations, vous pourrez peut-être un jour faire partie de la grande famille des artistes photographes !

Vous cherchez un stage photo bordeaux ?

Etudier le travail des plus grands photographes d'art

Vous rêvez d'organiser un jour votre propre vernissage ? Pour espérer exposer ses compositions, il faut avant tout maîtriser l'histoire de la photographie !

Focale, diaphragme, modèles de trépieds ... La technique photo ne doit pas avoir de secrets pour vous ! Les photographes artistes connaissent par coeur la composition d'un appareil photo argentique ou photo réflex, ayant souvent étudié l'histoire de la photo au sein d'un institut artistique.

Pour devenir rapidement un pro de l'objectif, le mieux est bien sûr de prendre exemple sur les plus grands photographes de l'histoire. En ayant une meilleure vision de la technicité de clichés célèbres, vous pourrez progresser sans même vous en rendre compte !

Petite liste non-exhaustive des photographes d'art les plus reconnus :

  • Robert Doisneau,
  • Ansel Adams,
  • Henri Cartier Bresson,
  • Robert Capa,
  • Edward Weston,
  • Arnold Newman,
  • David Talley,
  • Laura Zalenga,
  • Oleg Oprisco,
  • Raymond Depardon.

Etudier l'oeuvre des plus grands acteurs de la photo artistique est une étape indispensable pour devenir photographe professionnel : la création d’une oeuvre passe indubitablement par l’inspiration de grands artistes.

En faisant un tour d'horizon complet des artistes qui ont marqué leurs époques respectives, vous trouverez aisément quelques photographes qui vous marqueront. Cette étape marquera un point de départ et vous aidera à définir votre futur sujet de prédilection.

Apprenez donc avec les plus grands pour vous améliorer en cadrage et composition artistique.

Les livres d'apprentissage de la photographie d'art

Que vous soyez plutôt branché photo mariage, photojournalisme, photo de paysage ou photo de mode, il existe forcément un livre d'apprentissage fait pour vous !

Comment exprimer un sentiment sur une photographie ?
Vous pouvez acquérir un manuel de photographie artistique en magasin spécialisé dans la photo.

Les plus grands artistes photographes publient régulièrement des rétrospectives illustrées de leurs oeuvres sous forme de livres. Mais vous pouvez aussi trouver des manuels d'apprentissage pour débutants faits par de grands noms de la photographie, qu'ils soient artistes ou professeurs en école d'art !

Balance des blancs, lumière naturelle ou encore temps de pose longue : les livres pour photographes débutants abordent toutes les bases de la photographie artistique, sans pour autant être indéchiffrables pour les non initiés.

Voici quelques livres à étudier pour progresser en photo d'art :

  • L'art délicat du portrait, de Compétence Photo,
  • L'art du noir et blanc, de Michael Freeman,
  • Composition et couleur en photographie, de Harald Mante,
  • L'art de l'éclairage : la nature morte, de Jean Turco,
  • Percez le secret des photographes, de Johann Trompat,
  • Le flash, éclairage de qualité professionnelle, de John Denton,
  • Maîtrisez l'exposition en photographie, de Jérôme Geoffroy,
  • Le grand livre de la photographie, de Scott Kelby.

Dernier conseil : de nombreux rédacteurs photographes possèdent un blog photo personnel, postant régulièrement des prises de vues artistiques. Vous pouvez donc très bien étudier une photo en ligne, voire même entrer en contact avec un photographe d'art.

N'oublions pas que des stages sont également proposés un peu partout en France. Un stage photo Lyon, et nous voici formés.

Bref, tout pour organiser un shooting photo de qualité avec son réflex numérique !

Photographie d'art : les meilleures écoles !

Et si vous dévoiliez votre côté artistique dans une école de renom ?

Etant un art qui se développe de plus en plus, les filières consacrées à l'étude de la photographie se multiplient en France. Ici, l'implication doit être totale : une formation de portrait en studio ou de photographe d'art se déroule sur plusieurs mois - voire sur plusieurs années.

D'une manière générale, il est impossible d'être accepté sans passer un examen d'entrée au préalable. L'élève doit donc passer d'un niveau débutant à un niveau intermédiaire en photographie pour espérer intégrer une grande école de photo d'art.

On peut également penser au cours, comme un stage photo paris, qui permet de se faire une idée précise du domaine !

Découvrez quelques-uns des meilleurs instituts de photo artistique :

  • L'école nationale supérieure de photographie à Arles,
  • L'AGR, l'école de l'image à Nantes
  • L'école de photographie ETPA de Lyon,
  • L'école de photographie ETPA de Toulouse,
  • L'école nationale supérieure Louis Lumière à Saint-Denis,
  • Les instituts des Beaux Arts,
  • Les instituts d'Arts Appliqués.

La formation en photographie artistique mène généralement vers un diplôme d'Etat (un Brevet de Technicien Supérieur dans la majorité des cas). Apprendre la photo artistique permet donc de mettre un pied dans les métiers de la photographie pour pouvoir plus tard vivre de ses photos sous le régime Agessa.

Gardez tout de même à l'esprit que les frais de scolarité en école photo restent souvent très élevés. Et oui, le perfectionnement a un prix !

Prendre des cours particuliers de photographie d'art

La meilleure façon de développer son autonomie artistique ? Engager un photographe pro à domicile pour apprendre tout ce qu'il faut savoir sur l'art photographique !

Quels sont les courants artistiques en photo ?
Faites confiance au prof particulier pour devenir un artiste confirmé !

Retouche photo en post production, tirage d'art ou encore netteté : autant de sujets abordés lors de la leçon privée de photo artistique. L'enseignement privé est particulièrement recommandé pour les élèves souhaitant bénéficier d'un suivi régulier et d'une écoute active de la part d'un pédagogue confirmé.

Il existe plusieurs façons de trouver un cours de photo artistique :

  • Les petites annonces dans les commerces,
  • Les annonces dans les magazines de photographie,
  • Les petites annonces en ligne de stage photo d'art,
  • Les annonces dans les écoles d'art,
  • Le tuto photo en ligne avec un professeur virtuel,
  • La leçon privée de photo en ligne avec un professeur à distance.

Sur Superprof, trouver un photographe d'art est à la portée de tout le monde. L'élève doit simplement bien étudier le profil du professeur pour trouver un cours artistique adapté aux spécialités visées (photos de couple, photos de famille, photos engagées ...).

Il est même possible de prendre un cours d'initiation gratuit pour découvrir toutes les facettes de la photographie d'art : plus de 92% de nos enseignants offrent leur première heure de cours !

Enfin, les élèves ont la possibilité de prendre un cours photo d'art à distance sur Superprof. La photographie d'art étant avant tout un travail personnel, le photographe pro sera surtout là pour vous enseigner quelques concepts de base et améliorer vos photos en post traitement.

N'hésitez pas à trouver de l'inspiration grâce aux blogs photos.

Gérer l'exposition en photographie d'art

Une image bien exposée est une image qui a reçu la juste quantité de lumière : elle ne sera ni trop sombre, ni trop claire. Cela dépend de deux paramètres :

  • La vitesse d'obturation : détermine combien de temps la surface sensible de l'appareil photo (qui enregistre l'image) va être soumise à la lumière,
  • L'ouverture du diaphragme : correspond à la taille du trou par lequel va passer la lumière pour être enregistrée par l'appareil.

En jouant avec ces deux éléments, vous pourrez obtenir une photo bien exposée. Une photo sous-exposée est une photo ne contenant que peu de détails dans les basses lumières : elle est trop sombre, les noirs sont trop présents. Une photo sur-exposée au contraire aura peu de détails dans les hautes lumières : elle est trop claire, les blancs sont trop présents.

L'oeil humain peut vous tromper lorsque vous prenez une photo. Il voit bien plus de détails dans les hautes et les basses lumières que ne le fera jamais n'importe quel appareil photo. C'est pourquoi le traitement d'image est important pour corriger les détails qui auraient pu vous échapper à la prise de vues. Mais mieux vaut quand même bien gérer l'exposition au moment de la prise de vue pour éviter de corriger de trop grands écarts et de perdre en qualité.

L'exposition est liée à la composition de la photo : une sur-exposition ou une sous-exposition du sujet principal n'est pas idéal (à moins que ce soit l'effet recherché). De base, un appareil photo propose une exposition moyenne mais vous pouvez la corriger pour obtenir une exposition plus satisfaisante. C'est notamment recommandé en cas de prise de vue d'un sujet à contre-jour. Vous pouvez choisir de mettre le sujet en valeur en sur-exposant le ciel ou de le représenter en ombre en sous-exposant votre image.

Astuce : vérifiez l'histogramme de votre photo. Il vous indique la quantité de pixels noirs, gris et blancs de votre image sans prendre compte la luminosité de l'écran de votre appareil photo ou son éclairage. Pour avoir une image bien exposée, il suffit d'avoir une majorité de gris au centre de l'histogramme. Si la photo est sur-exposée, l'histogramme sera tassé à droite, si elle est sous-exposée, il sera tassé à gauche. Bien sûr, c'est une règle de base qui peut être enfreinte en fonction de ce que vous souhaitez faire ressortir de votre cliché. 

Quelles sont les règles de base du photographe amateur ?
Ici, la photo est sur-exposée pour faire ressortir le quadrillage dans le reflet de la cuillère.

Les règles du cadrage et de la composition en photographie d'art

Ce qui fait aussi la qualité esthétique d'une photo, c'est son cadrage et sa composition. Une photo se réfléchit et ne se prend pas au hasard. Les plus grands photographes peuvent passer des heures à penser une séance photo pour faire passer une idée ou provoquer une émotion chez le spectateur.

"Un bon photographe est celui qui est capable non pas de représenter la réalité objective mais de traduire les sensations et les émotions ressenties au moment de déclencher." David Duchemin

Une photo bien cadrée et bien composée permet de la rendre lisible et compréhensible, en plus de la rendre bien souvent plus esthétique : en cadrant un paysage sans un panneau de signalisation par exemple.

Il n'existe pas de règle absolue en photographie d'art pour cadrer et composer sa photographie mais certaines astuces simples vous permettront de mettre en valeur vos clichés. Le format de l'image, la place du sujet et la position et la taille de la zone de netteté ont une grande importance dans la composition de votre cliché.

Première astuce : la règle des tiers (ou règle d'or)

L'astuce la plus simple lorsque l'on débute la photographie est de décentrer le sujet principal de votre cliché. Cela peut sembler étonnant de prime abord, pourtant un sujet centré sur une photographie la rend ennuyeuse, peu surprenante.

Mieux vaut donc placer le sujet sur l'un des points forts de la règle des tiers, c'est-à-dire à l'intersection des lignes imaginaires divisant l'image en neuf rectangles.

Comment composer sa photographie ?
Pour rendre une photo plus percutante, ne centrez pas votre sujet. (source : Jonathan B. Roy)

La plupart des appareils photos numériques disposent d'une option permettant d'afficher les lignes horizontales et verticales divisant l'image pour vous aider à composer au début. Au fur et à mesure, cela deviendra instinctif.

En revanche, si vous souhaitez faire de la photo carrée, la règle ne s'applique pas et les sujets seront centrés car cela correspond mieux au format du cliché. Ce qui régit cette règle des tiers, c'est avant tout la lecture de l'image. Naturellement, l'oeil balaie l'image du coin haut gauche au coin bas droit en formant un Z. Si le sujet est au centre de l'image, la lecture est cassée alors que si le sujet est décentré, la lecture est facilitée.

Deuxième astuce : la zone de netteté

Pour mettre en valeur votre sujet, veillez à réfléchir à la zone de netteté. Un exemple simple : vous prenez en photo un artiste de rue en train de danser. Autour de lui, de nombreuses personnes se sont arrêtées pour le regarder.

Votre photo comportera donc plusieurs sujets : l'artiste au premier plan et les badauds en arrière-plan. Pour donner plus d'intensité à votre photo et diriger l'attention sur votre sujet principal, il suffira de jouer sur la zone de netteté pour éviter les éléments perturbateurs.

Troisième astuce : utilisez les lignes

Notre oeil a naturellement tendance à suivre les lignes. Ici encore, la simplicité est de rigueur. En plaçant judicieusement des lignes dans votre cliché, vous incitez alors le regard à poursuivre vers un point de chute, point fort de l'image.

Les lignes peuvent être droites, parallèles, courbes, horizontales, verticales, perpendiculaires... N'hésitez pas à varier les plaisirs.

D'autres astuces à tester

  • Optez pour un nombre impair de sujets : cela donne plus de dynamisme à un cliché,
  • Donnez une idée de l'échelle : notamment pour les photos de paysage. Si vous photographiez par exemple des sequoïas, ajoutez une voiture, un animal ou une personne dans votre composition pour rendre l'image plus impactante,
  • Faites des plans serrés : rapprochez-vous ! Les cadrages serrés ont plus de force qu'un plan large,
  • Baissez-vous pour changer votre angle de vue,
  • Utilisez la plongée et la contre-plongée,
  • Cherchez les formes géométriques,
  • Jouez avec les reflets,
  • Utilisez le premier plan pour flouter l'arrière-plan ou le premier plan,
  • Prenez des photos à contre-jour en jouant avec la position du soleil dans le cadre,
  • Jouez avec les silhouettes pour rendre vos clichés plus mystérieux,
  • Coupez : ne photographiez pas tout votre sujet mais seulement une partie,
  • Jouez avec les couleurs chaudes et les couleurs froides,
  • Utilisez les contrastes de lumière et de couleur,
  • N'hésitez pas à faire des séries de photo dans le même thème en vous imposant des repères visuels.

La gestion de la lumière en photographie d'art

Avec l'exposition et la composition, la gestion de la lumière est une des notions fondamentales de la photographie. La qualité de la lumière est définie à la fois par les contrastes, la dureté ou la douceur des ombres et la densité des ombres.

  • Plus la source de lumière est grande, plus les ombres sont douces,
  • Si vous photographiez un objet sur une table blanche, son ombre sera plus dense que s'il est photographié sur une table noire.

La qualité de la lumière a son importance dans la prise de vue : elle va donner un ton général à votre cliché. Des contrastes importants donne un côté plus dramatique que des ombres douces et peu denses.

Soyez dans un premier temps attentif à la manière dont votre sujet est éclairé. Ainsi, même avec de la lumière naturelle, vous prendrez l'habitude de vous déplacer ou de faire déplacer votre sujet en fonction des ombres observées sur son visage ou autour de lui.

La lumière naturelle dépend de deux facteurs principaux :

  • Le moment de la journée : le matin et le soir, la lumière est basse, idéale pour prendre en photo des paysages et mettre en avant des contrastes. A midi, la lumière est plus verticale et n'est pas idéale pour le portrait car elle crée des ombres dures sous les yeux et le nez,
  • La météo : le plein soleil crée des ombres dures, n'hésitez pas à vous mettre à l'ombre pour photographier vos sujets. Le temps couvert crée une lumière diffuse et des ombres douces et est souvent considéré comme peu intéressant. Cependant, c'est une lumière facile à gérer puisque l'emplacement du sujet a peu d'importance par rapport à la lumière.

Pour la lumière artificielle, avant d'investir dans des flashs studio onéreux, pensez aux kits d'éclairage de chantier et de jardin qui créent une quantité de lumière importante surtout si vous en avez plusieurs. Utilisez un éclairage indirect pour adoucir les ombres : en éclairant une surface blanche, les rayons sont diffusés dans plusieurs directions différentes à côté du sujet.

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Aurélie

Responsable éditoriale de Superprof et journaliste web, je suis passionnée d'arts et de voyages. Je milite pour l'échange culturel et la transmission des savoirs !